Kanske är det äldsta musikskämtet berättelsen om turisten i New York som frågade en taxichaufför hur man kommer till Carnegie Hall.
Svaret (för de som inte redan har hört den här) var "Öva, öva, öva!" Bra svar, med tanke på tanken att behärskning av alla komplexa färdigheter vanligtvis tar cirka 10 000 timmar - det är värt fem år av 40 timmars arbetsveckor!
Men sanningen är att det inte riktigt är 10 000 timmar - som piratkoden, att 10 000 timmars siffran är "mer en riktlinje." Öva smartare så förbättras du snabbare. Här är några enkla tips för att göra just det.
Tips ett: Öva av en anledning!
Och inte någon halt, allmän anledning heller. Du vill åstadkomma något specifikt när du tränar. Låt oss bryta ner det. Det finns tre slags saker musiker övar sig att göra:
1) Teknisk praxis. De lär sig fysiska färdigheter, bygger specifik fysisk konditionering som en mässingsspelares "läpp" eller en gitarrists fingerstyrka, eller lär sig musikaliska material som skalor, arpeggior och liknande.
2) Öva på att lösa problem. Detta betyder att spela de hårda delarna av ett stycke, de som inte (ännu!) Låter som du vill ha dem.
3) Öva för kontinuitet. Detta innebär att du lär dig att spela eller sjunga genom musik du tänker spela utan att stanna eller tveka. Det är den typ av övning som är mest som att utföra, och det är viktigt. Tyvärr är det den enda typen av övning som några av oss någonsin gör - ”tyvärr” eftersom bara att göra en slags övning är inte ett bra sätt att bli bättre.
Låt oss se hur detta sätt att se på övning fungerar. Det finns tre vanliga situationer. Kan du matcha varje situation med den typ av övning som krävs?
- A) En bandstudent måste lära sig sex stora skalor, med sina arpeggios, för nästa "pass-off". (Spelar test.)
- B) Ett garageband måste lära sig tre nya låtar som deras sångare har skrivit för sin nästa spelning. De har övat alla separata delar under skrivandet och arrangerade sessioner som de har gjort som en grupp. De måste bara polera låtarna för visa så att de låter riktigt, riktigt bra.
- C) En högskolemusikstudent gör sig redo för Musikskolans konserttävling, som i form av ett pris erbjuder en föreställning som solist med Skoleorkestern och ett stipendium på $ 500. Men det finns ett avsnitt i måtten 33-37 som alltid verkar låta ut i takt, utan tid eller båda.
Om du sa:
A) - Teknisk praxis; B) —Praktik för kontinuitet; och C) —Praktik för att lösa problem, då har du idén. Om inte, här är varför det går sönder.
I A) försöker studenten ta upp vågen och arpeggioerna. (Hans lärare hoppas att de är tillräckligt upptagna för att studentens spel i allmänhet ska förbättras.) Det är att lära sig musikmaterial, liksom de fysiska rörelsemönster som följer med dem, så att de musikaliska och fysiska mönstren kan användas fritt och självförtroende i prestationssituationer. Det är teknisk praxis.
I B) försöker bandet lära sig att komma igenom sina låtar smidigt och säkert. De vill sparka, inte bara snubbla igenom! De har redan förstått detaljerna; de försöker sätta ihop bitarna på det mest övertygande sättet. De övar för kontinuitet.
De försöker också bygga sitt eget förtroende för sin förmåga att "komma igenom" stycket, så på ett sätt de försöker bevisa något för sig själva. Tyvärr hänger vissa musiker upp på den här delen. De är så upptagna att bevisa att de är redo att de försummar den problemlösning de behöver göra för att faktiskt vara redo.
I C) känner eleven stycket, men hon försöker ta reda på en problemplats - varför har hon svårigheterna hon gör, och vad kan hon göra åt det? Det är uppenbart att det övar för att lösa specifika problem.
Denna typ av praxis undviks ofta - ibland även av dem som tror att de gör det, men som verkligen gör något som ser mer ut som kontinuitetspraxis. Det kanske beror på att verklig problemlösning kräver tålamod med sig själv och modet att erkänna att det finns ett problem i första hand. Men det är också på det sättet det roligaste, för utmaningen att räkna ut något kan vara lite som ett spel eller ett pussel. För vissa människor kan denna typ av praxis vara nästan beroendeframkallande.
Men i vart och ett av fallen finns det en anledning till övningen - musiker eller grupp försöker få något specifikt gjort. Och de får det gjort snabbare, i genomsnitt, om de håller sitt mål i åtanke. Så:
Var målmedveten!
Tips två: Koncentrera dig, minst så mycket du behöver!
Var och en av de tre typerna av övningar kräver koncentration:
- Om du övar för kontinuitet vill du se till att du håller en stark mental bild av stycket och var du befinner dig i det;
- Om du tränar för att lösa problem måste du verkligen lyssna på ljudet du gör och jämföra det med det ljud du vill göra, och du måste verkligen tänka på hur du får de två att matcha bättre ;
- Och om du utövar tekniska övningar måste du koncentrera dig nog för att se till att du gör dem rätt - annars bygger du i dåliga vanor som kommer att hålla dig tillbaka och som till och med kan leda till fysisk skada. Hur mycket koncentration som tar kan dock variera. Om du gör en konditionsträning som du har gjort hundratals gånger kommer det inte att ta så mycket som en övning som skulle hjälpa till att bygga en spelteknik som är helt ny för dig. Jag känner folk som har övat skalor när jag tittade på TV.
Använd din egen goda förnuft, men:
Koncentrera!
Tips tre: Saktka ner det!
Detta är mestadels ett tips för problemlösning. När du löser ett problem i en bit eller i en studie försöker du lära dig att ha kontroll över problemplatsen. Det enskilt bästa sättet att få kontroll är att sakta ner - göra nästan alla fysiska rörelser tillräckligt långsamma, och de flesta vem som helst kan göra det. Gör det mycket långsamt, sedan lite snabbare och upprepa processen. Om du stannar kvar i tiden kommer du att brinna igenom det.
Jag skrev nästan " och snart kommer du att bränna igenom det", men det är inte nödvändigtvis sant. Jag minns tillfällen då det verkade som om jag hade tränat något i det som verkade som evighet - månader, till och med år - och med lite förbättring att visa.
Och jag minns att jag gav upp några saker och tänkte att det måste vara något fel med mig när det gällde att lära mig den saken. Men jag tror nu att jag bara inte hållit länge nog. I de fall jag fortsatte blev jag bättre. Faktum är mycket, mycket bättre. Du kommer också.
Ett annat undertips här: bromsa ner tempoet för hela problemstället, men håll det tempoet stabilt. Det kan känna sig dumt att hålla en lång lapp mitt i en problemställning, men om du alltid får dig själv att göra det kommer din rytmkänsla att tacka dig. Att använda en metronom för att hålla det långsamma tempo ärligt kan hjälpa till med detta. Dessutom kan du på så sätt gradvis öka tempot på metronomen och du kan bättre säga att du verkligen förbättrar. Då blir du inte avskräckt så snabbt.
Sakta ner!
Tips fyra: Ändra det!
En följeslagare till tips tre. Ett annat bra sätt att sätta dig själv kontroll över en problemplats är att ändra den! Det enklaste sättet är att förkorta det: prova att öva bara några toner av en tuff bit, kanske "slinga" dem om och om igen. På så sätt kan du få mycket övning på exakt den bit du behöver öva, mycket snabbt.
Men du kan också ändra det på andra sätt. Till exempel kan du ta ut några anteckningar - nådeanmärkningar, anteckningar om takten eller vad som helst. Det låter kanske lite galen, men det kan verkligen hjälpa. En anledning är att det kan göra den rytmiska ramen mycket lättare att förstå; ett annat är att det kan låta dig koppla av lite och verkligen koncentrera dig på anteckningarna du spelar.
Eller så kan du infoga pauser och göra svåra anteckningsfläckar för dig att "landa på." När du landar på en tuff ton, håller du den, ger dig tid att lyssna på den och känna den fysiska ansträngningen att spela den sedeln. När du vet exakt hur en viss anteckning låter och känns, har du bra kontroll över det.
Här är några exempel på att ändra det:
Färdiga transpostrar - och de som strävar efter att vara det - kan öva passager i olika nycklar. Legendariska Chicago Symphony-trompetern "Bud" Herseth har varit en stor förespråkare för detta.
Så var inte rädd för att
Ändra upp det!
Tips fem: Få feedback!
Det finns en tendens för några av oss att öva i ett slags vakuum: vi går över saker och kanske lyssnar, men vi använder inte verifiering utanför så mycket vi kan. Och så vi förbättrar inte så mycket som vi kunde.
Det mest uppenbara sättet att kontrollera vad vi gör är att fråga någon som vet. Din musiklärare är ett bra val som kritiker; ibland är bandkamrater också ett bra val. (Särskilt de som bryr sig mer om musiken än om dina känslor.)
Allt populärare som "kritiker" är ljud- och videoinspelningar. Att höra något från utsidan kan hjälpa oss att bli en bättre kritiker för oss själva - det är förvånande hur tydligt du hör saker om ditt spelande på en inspelning som du inte hörde alls när du faktiskt spelade.
Men de bästa dagliga kontrollerna är metronomen och tunern. Att spela till en metronom informerar dig snabbt om du håller bra tid eller inte. Och att använda en tuner kan låta dig veta om du spelar ut mer än du kanske misstänkte. (Naturligtvis finns det andra alternativ längs den här linjen - det finns övningsprogramvara nu, och det gamla gamla tangentbordet kan hjälpa till med inställningen också om du använder det.)
Sammanfattningen är att få av oss är så bra som vi tenderar att tro att vi är - så kontrollera intrycket ditt öra ger dig.
Få feedback!
Tips sex: Låt felen gå!
Jag vet att det låter som motsatsen till vad jag just sa, men Tip Five handlade om problemlösning, och vi fortsätter nu för att prata mer om att öva för kontinuitet. Det är sant att när du löser problem måste du vara vaken för fel så att du kan fixa dem. Men när du övar för kontinuitet bör du öva på att ignorera fel också.
Det beror på att fel kan vara en stor distraktion i prestanda. Så fort du tänker, "Oj, jag röra upp, " tappar du fokus på musiken du spelar. Du är fokuserad på dig själv. Du kanske slår dig själv: "Hur skulle jag kunna göra något sådant?"
Men i båda fallen tänker du inte på vad som kommer nu.
Fara! Flubbed musik framöver!
Så när du övar för kontinuitet måste du öva på att hålla fokus på musiken själv och hur den går. Om du gör ett misstag, fortsätt bara spela. Med andra ord,
Låt felen gå!
Tips sju: Fortsätt att tänka musiken, även om du inte kan fortsätta spela den!
Fångar, men vad betyder detta?
Tja, om - Gud förhindrar att du faktiskt gör ett misstag, är det du inte vill göra framför allt att förlora din plats. Om du slutar spela är det dåligt - men om du fortfarande vet var du befinner dig i musiken kan du hoppa tillbaka igen. Om du är förlorad är det dock troligt att ytterligare fel kommer att följa innan du räknar ut var du är.
När du tränar för kontinuitet, vill du bygga både en stark mental bild av hur stycket går - vissa musiker har kallat detta "genomgående linje" - och din förmåga att stanna med den genomgående linjen genom tjockt och tunt . Ett sätt att göra det är att avsiktligt sluta spela när du tränar för kontinuitet, samtidigt föreställa dig ljudet till musiken när du räknar genom den "tysta" delen. Till exempel kan du spela varannan åtgärd och föreställa dig åtgärderna mellan.
Det är en bra övning att
Tänk på musiken!
Tips åtta: Håll det avslappnat!
Ovan har jag skrivit som om kontinuitetspraxis alltid måste vara en miniprestanda. Men inte alltid! Du kanske inte är fysiskt eller mentalt redo att göra det hela vägen genom en viss bit. I så fall är det bättre att öva kontinuitet efter sektioner.
Detta är särskilt viktigt när fysisk uthållighet är involverad. Om du alltid börjar i början av ett stycke och arbetar igenom till slutet kan det leda till att slutet är synonymt med fysisk trötthet och spänning. För att besegra detta, prova att öva stycket för kontinuitet genom sektioner, men börja i slutet och arbeta mot början.
En annan variant är att inkludera "tänkta avsnitt", som beskrivs i Tip Seven. Det finns utan tvekan andra möjligheter. Men hitta ett sätt att
Håll det avslappnat!
Tips nio: Håll tempot - eller tempos - ärligt!
Jag vet att jag upprepar mig själv här, eftersom jag redan förespråkade att använda en metronom i Tip Five, men en del av ett stycks genomgång är att hålla tempot där det måste vara. Det kan vara konstant för hela stycket - i vilket fall användning av en metronom är lätt - eller det kan variera mycket. I så fall är det bekvämaste sättet att kontrollera tempo att använda ackompanjemangsprogramvara eller inspelning av musiken. Men hur du än gör det är det extremt viktigt att kontrollera tempo när du polerar en bit för prestanda.
Håll tempot ärligt!
Tips 10: Ta hand om din kropp!
Jag behöll det viktigaste tipset för sist. Det finns ett par sätt som detta tips gäller.
Det första är att din kropp är en del av ditt instrument. (Om du är sångare är det allt ditt instrument!) För att spela ditt bästa måste du också behålla din kropp. Jag minns till exempel en trombonist som sa att hans sessioner för bästa praxis alltid började med en mils körning. Bra näring, vila och undvikande av en ohälsosam livsstil kommer inte automatiskt att göra dig till en bra musiker, men de kan ge din talang och hårt arbete ytterligare en konkurrensfördel.
För det andra är att träna (eller prestera) dåligt kan vara farligt för din hälsa. Upprepade stressskador är ett verkligt problem bland professionella musiker och är inte ovanliga bland studenter och amatörer också. De kan vara smärtsamma, dyra, till och med karriäravslutande.
Men den goda nyheten är att de kan minimeras genom att använda bra spelteknik. (Det låter predikt, men speltekniken är utformad och har delvis utvecklats för att vara fysiskt fungerande för spelare. Det är en del av vårt arv av 'kulturell visdom' som musiker, och vi ignorerar det på egen risk.)
Det är också viktigt att uppmärksamma den fysiska aspekten av vårt spel. Även om vi verkligen måste lära oss att göra saker som kanske inte är fysiskt bekväma till en början, när vi upplever överdriven trötthet i specifika muskler, ihållande värk, minskande rörelseomfång eller muskelsvaghet, bör vi vara noga med och överväga vad vi gör innan vi får verkliga skador.
Ta hand om din kropp!
Låt oss sammanfatta det:
Tips ett: Öva av en anledning! ( Vet vad du försöker göra.)
Tips två: Koncentrera dig, åtminstone så mycket du behöver. (Gör det då.)
Tips tre: Saktka ner det! ( Sätt dig själv kontroll över tempot.)
Tips fyra: Ändra det! (Sätt dig själv kontroll över musikens struktur - du behöver inte alltid öva på den exakt som på sidan. Ibland är det smart att "dumma ner den.")
Tips fem: Få feedback! (Se till att du får det rätt - använd tuner, metronom, dator, inspelningar och (naturligtvis) lärare och kritiker.)
Tips sex: Låt felen gå! (Det kommer inte att vara perfekt någonsin, men det kan fortfarande vara vacker musik. Låt det vara riktigt och låt det gå förbi.)
Tips sju: Fortsätt att tänka musiken, även om du inte kan fortsätta spela den! (Håll bara fast vid "genomgående linje.")
Tips åtta: Håll det avslappnat! Musik är vacker när den flyter, så lägg inte på den med oro och stress.
Tips nio: Håll tempot - eller tempos - ärligt! ( Det är svårare att göra detta än du kanske tror, så kontrollera ditt tempo (er)!)
Tips 10: Ta hand om din kropp! (Det är den enda du har, rätt? Musik är bra för dig, men inte om du gör det fel. Och din kropp är bra för musik, men inte om du använder den fel. Så "heads up!" Var uppmärksam till hur det känns att spela eller sjunga - och fixa det, om det gör ont eller orsakar svaghet eller spänning!)
Där har du det: tio tips som hjälper dig att hålla din musik rolig, säker och för att göra din övningstid så produktiv som den kan vara.
Jag hoppas att de arbetar för dig som de har för mig och ger dig så mycket tillfredsställelse som de har mig. Framför allt hoppas jag att de hjälper dig att föra skönhet, energi, glädje, spänning och upplysning till en värld som behöver den!
