Mellan 1400 och 1600 såg renässanstiden en stor utveckling av musikaliska kompositioner, särskilt av kormusik. Nedan har jag listat fyra vackra verk som komponerats under denna tidsperiod, som jag alla har framfört och älskat. Du hittar texten på varje stycke med en engelsk översättning, några allmänna kommentarer om verket eller dess bakgrund och en lyssningsguide som motsvarar specifika platser på de inbäddade YouTube-inspelningarna. Lyssna på så mycket eller så lite du vill, med eller utan guiderna - den viktigaste delen är att ta en paus från allt annat du gör och njuta av denna underbara musik.
1. Ave Verum Corpus (William Byrd c. 1605)
Text och översättning: (källa)
Ave verum corpus / n atum de Maria virgine / v ere passum immolatum / in crucis pro homine. / Cuius latus perforatum / unda fluxit sanguine. / Esto nobis praegustatum / i mortisundersökning. / O dulcis, o paj / O Jesu Fili Mariae / miserere mei / Amen.
Hil, sann kropp / född av jungfru Maria / som verkligen har lidit, slaktat / på korset för mänskligheten. / Vars sida var genomborrad / hällde ut vatten och blod. / Var en försmak för oss / under vår dödets prövning. / O söta, o heliga / O Jesus Son of Mary / ha barmhärtighet mot mig / Amen.
Allmänna kommentarer:
Byrd's Ave Verum Corpus är en av mina favoriter hela tiden, fylld med vackra dissonanser för att lyfta fram smärtan i texten om Kristus korsfästelse. Tänk på hur fluktuationer mellan stora och mindre ackord (av vilka jag har påpekat nedan) illustrerar texten. Lägg också märke till ögonblick av homofoni (när alla röster sjunger ord tillsammans i samma rytm) kontra fall när röstdelarna har förskjutna ingångar, och vilka effekter detta har för att förmedla texten. De vackraste ögonblicken i stycket är för mig upphängningarna: ögonblick när anteckningarna som sjöngs av två eller flera röstdelar är tydligt dissonanta för en takt eller två, innan en del rör sig upp eller ner för en ton för att lösa spänningen. Detta är vanligtvis resultatet av att en del stannar kvar på en lapp när ackorden ändras runt den och sedan löser sig till en anteckning i den nya ackorden.
Lyssnarguide:
0:07: Lägg märke till hur det öppna mindre ackordet är homofoniskt (alla röster kommer samtidigt på samma ord och rytmer).
0:23: Lägg märke till hur ljudet lyser in i en serie stora ackord på orden "natum de Maria virginae" eller "born of the virgin Mary".
0:57: Lyssna efter avstängningen på "homine" (i altpartiet); se om du kan höra en slags tillfredsställande spänning och släpp på denna plats.
1:12: Lägg märke till hur röstdelarna kommer in vid olika tidpunkter, överlappar orden "unda fluxit sanguine" eller "hälla ut vatten och blod" för att representera auditoriskt tanken på att hälla eller rinna.
1:36: Lyssna efter crescendo (bli högre) på "mortis" eller "death" - detta är en av de viktigaste klimaksna i stycket och betonar dramaets ord.
1:46: Rösterna blir plötsligt mjukare och sötare på "o dulcis, o paj" eller "o sött, o heligt". Sopranen sjunger ensam innan de andra delarna kommer in, vilket bidrar till en känsla av lätthet och renhet.
02:08: Lägg märke till den vackra upphängningen på "Mariae", den här gången i tenordelen.
2:15: Röstdelar kommer in vid en annan tidpunkt på texten "miserere mei" eller "ha barmhärtighet mot mig", som representerar enskilda röster i detta mer personliga uttalande
2:43: Musiken upprepar nu avsnittet som börjar med "o dulcis, o pie", ännu mjukt och sötare för att avsluta stycket.
3:47: Njut av en annan saftig dissonans mellan tenor-noten och alt- / basnoterna.
2. Ultimi Miei Sospiri (Philippe Verdelot c. 1520-talet?)
Text och översättning:
Ultimi miei sospiri / che mi lassate fredd'et sença vita, / contate i miei martiri / a chi morir 'mi ved'et non m'aita. / Dite, o beltà infinita, / dal tuo fedel 'ne caccia empio martire. / Et se questo gli è grato, / giten ratt'in ciel 'a miglior' stato. / Ma se pietà le porg'il vostro dire, / tornat'in me, ch'io non vorrò morire.
Mina döende andetag / som lämnar mig kylig och livlös, / berättar min lidande till en / som ser mig förgås och inte hjälper mig. / Tala, o oändlig skönhet, / så att din trofasta kan skonas lidande lidande. / Och om detta behagar henne, / gå snabbt till himlen och ett bättre tillstånd. / Men om dina ord väcker hennes medlidande, / återvänder till mig, för jag vill inte dö.
Allmänna kommentarer:
Det här stycket är ett klassiskt exempel på en tidig madrigal, en typ av sekulär, ensamkommande körmusik med ursprung i Italien. Även icke-italienska kompositörer använde ofta text och poesi skriven på italienska, varvid detta verk är ett exempel. En av mina favorit saker med det här stycket är ljudet från de djupa basingångarna (den lägsta röstdelen av 6), särskilt i denna underbara King's Singers-inspelning. Du kommer att höra en hel del imitation mellan röstdelarna, vilket skapar en intressant polyfonisk struktur (motsatsen till homofonisk: röstdelar som sjunger text vid olika tidpunkter med olika rytmer). Försök att lyssna efter upprepade textlinjer som passeras mellan röster - det händer överallt i hela stycket.
(Obs! Det finns ett stavfel i titeln på YouTube-videon. Det är 'Ultimi', inte 'Ultima'.)
Lyssnarguide:
0:11: Hör den första låga basingången spela gloröst ...
0: 23-0: 28 och 0: 33-0: 38: Lägg märke till hur sångarna betonar "s" -ljudet "lassate" för att hjälpa oss höra ordets upprepning i olika delar.
0:50: En annan tillfredsställande låg basingång.
1:20: Stycket börjar intensifieras i volym och tonhöjd och framhäver den begärande texten "dite, o beltà infinita" eller "tala, O oändlig skönhet".
02:03: Lyssna i ett sällsynt homofoniskt ögonblick i de övre rösterna på "gittene ratt'in ciel" eller "gå snabbt till himlen"; ljusheten hos de högre rösterna skulle kunna representera denna uppåtgående rörelse till himlen och den homofoniska strukturen ger en kort kontrast till resten av verkets ständigt överlappande linjer.
2: 36-2: 52: Efter ett mjukare avsnitt börjar stycket byggas upp igen i volym och intensitet och landar konsekvent på mindre ackord på ordet "mig" (ger en slags mörk betoning).
3:07: Hör en vacker upphängning i alt 1-delen.
3. Je me klagar piteusement (Guillaume Dufay c. 1423)
Text och översättning:
Je me klagar piteusement / a moi tout seul plus qu'a nullui, / de la griesté, paine e tourment, / Que je souffre plus que ne di. / Dangier me tient en tel soussi / Qu'eschever ne puis sa rudesse, / et Fortune le veult aussi, / mais, par ma foy, ce fait Jonesse.
Klicka här för att se en engelsk översättning. I huvudsak handlar texten om smärta och lidande av "kärlek" - och ganska melodramatisk!
Allmänna kommentarer:
Det här stycket ska låta särskilt annorlunda än de andra; även om det var tekniskt skrivet under den tidiga renässansen, är Dufays ljud ganska medeltida. Lyssna efter de ihåliga klingande öppna femtedelarna i slutet av fraser och hur röstdelarna överlappar varandra, snarare än att upptäcka olika anteckningsintervall. Lägg också märke till röstdelarnas rytmiska och textuella oberoende (dvs. de sjunger texten vid något olika tidpunkter och med något olika rytmer). Detta bidrar till ett något kaotiskt (och klassiskt medeltida) ljud som de flesta av oss inte är vana vid att höra. Ett annat medeltida element är användningen av röster för musik som inte är överlappad med text; sångare använder vokaljud som "ee" eller "eu" för dessa avsnitt.
Denna version på YouTube åtföljs av instrument; för ett fantastiskt cappella vokalarrangemang, kolla in Blue Herons inspelning på Spotify.
Lyssnarguide:
0: 11-0: 14: Lyssna på detta melodibitar (sunget av den högsta rösten, den som slår ut ur strukturen) och se om du kan höra det upprepas genom hela stycket (det kommer tillbaka flera gånger) . Jag älskar hur den här delen låter!
0:44: Detta markerar början på ett textfritt avsnitt (sunget på "ee"). Lägg märke till hur rösterna emulerar musikinstrument och hur den snabba, stadiga rytmen och överlappande toner skapar en sorts krusande, vågliknande effekt.
1:00: Här är ett exempel på en ihålig öppen femte i slutet av en fras - märk sångers stilistiska val att decrescendo (bli mjukare) snarare än att smälla in det.
1:04: Lyssna på den korta homofonin i början av detta avsnitt, som låter mer som senare renässansmusik än andra delar av verket.
1:30: Ett annat exempel på en öppen femte som är lite lättare att höra.
1:32: Den andra förekomsten av det textlösa avsnittet.
4. Spem i alium (Thomas Tallis c. 1570)
Text och översättning: (källa)
Spem i alium nunquam habui / praeter in te, Deus Israel, / qui irasceris, et propitius eris, / et omnia peccata hominum / in tribulatione dimittis. / Domine Deus, skaparen caeli et terrae, / respil humilitatem nostram.
Jag har aldrig lagt mitt hopp / i någon annan än dig, Israels Gud, / som kan visa både ilska och nådighet / och befria alla synder / den lidande människan. / Herre Gud, skapare av himmel och jord / vara medveten om vår förnedring.
Allmänna kommentarer:
Denna otroliga bit har de flesta röstdelarna i alla korverk (40!). Rösterna delas upp i åtta kör med 5 röster (sopran, alt, tenor, baryton och bas). Inte varje kör sjunger varje ögonblick (de delar ofta avdelningar i grupper om två kor), men det finns flera fantastiska sektioner där alla delar sjunger samtidigt och skapar ett tätt, rikt ljud. Det är uppenbart att vissa röster sjunger samma anteckningar (det finns inte 40 olika anteckningar som låter på en gång), men Tallis varierar rytmerna och noterar ordningar från olika delar för att skapa en tät textur av anteckningar i samma ackord.
Jag vet av erfarenhet att det är väldigt lätt att gå vilse när jag sjunger eller lyssnar på det här stycket på grund av de ständiga överlappande rytmerna. Vanligtvis kan en övad lyssnare genom örat identifiera nedslaget (den första takt, som vanligtvis får extra betoning) för varje mått på ett stycke, men det är ovanligt svårt att göra det i det här stycket efter de första 30 sekunderna. Effekten av detta för lyssnaren är en oändlig ljudmassa, där enskilda linjer är svåra att välja ut. Jag har markerat nedan några specifika ögonblick att lyssna på under vägen, men huvudsakligen bara luta dig tillbaka och njuta av atmosfären i den här!
Lyssnarguide:
Se om du kan höra de enskilda delarnas ingångar, eftersom de kommer in med texten "spem in alium" (från början till 2:12).
02:30: Detta är det första ögonblicket där alla delar sjunger på en gång!
Se om du kan höra sopranen direkt imitera tenorens melodiska linje på "qui iraceris" (tenor kl. 2:54, sopran kl. 3:00).
4:35: Hör alla delar sjunga tillsammans igen på "et omnia peccata hominum" (detta är en av mina favoritstunder).
7:19: Efter en paus, alla sjunger (mestadels) homofoniskt det första dramatiska uttalandet om "respice".
8:19: Återigen kommer varje del in på "respice" efter en vila: härifrån är det en långsam och stadig uppbyggnad till det sprudlande slutet.
Renässansmusik är för absolut alla
Jag hoppas att du har haft glädje av att lyssna på dessa stycken och använda guiderna som ett sätt att känna dig mer engagerad med dem. Men kom ihåg: det finns inget rätt eller fel sätt att lyssna på dem. Upptäck dina egna favoritdelar och beskriv dem hur du vill; du behöver absolut inte veta musikteori för att beskriva vad du gillar med ett visst stycke eller avsnitt. Musik bör njutas, dansas till, pratas om, nynnas tillsammans med och användas för att väcka känslor som vi inte kan förklara. Jag hoppas att du kommer att fortsätta utforska dessa och andra stycken från denna vackra era av kormusik.
