Andrew Morrow (Water and Bridges) är en australisk synthwave artist som har sina rötter inom punkrock och garageband. Han blev fascinerad av synthbaserad musik och utforskar olika delar av synthwave i sin musik. I ett e-postmeddelande berättade han om sin musikaliska uppkomst, hans inspiration och sin kreativa process.
Intervju med vatten och broar
Karl Magi: Hur började du först att göra musik?
Andrew Morrow: För mig började processen på gymnasiet. Jag hade plågat mina föräldrar tills de köpte mig en billig akustisk gitarr. Det var en ful nyans av ljusblått och lät hemskt, men det räckte för mig att försöka lära mig låtar från radio och spela melodier i örat. Under de närmaste åren lärde jag mig att spela grundläggande rytmgitarr och bildade några skate-punk- och rockband med vänner. Vi skulle leka i deras garage på en fredagskväll till en stor publik av deras föräldrar. Vi hade kul och det var dessa upplevelser som fick mig passionerad att skapa musik, inte bara lyssna på den.
Vi hade en "nattklubb" under 18-talet som skulle hända en gång i månaden i vår stad. Efter att ha gått till detta många gånger och lyssnat på all elektronisk dansmusik, kände jag att det var nästa väg att göra musik med en dator som jag ville gå ner.
KM: Hur och varför började ditt intresse för synthbaserad musik?
AM: Jag är ett barn på 80-talet, så jag växte upp med soundtracket till den ursprungliga animerade filmen Transformers alltid i rotation, tillsammans med artister som Depeche Mode, Journey och Phil Collins etc;
När återupplivningen av dessa nostalgiska filmer började med Tron- uppföljaren, Turbo Kid och Kung Fury, såg jag mig att lyssna på mer och mer av den äldre musiken och snubblat nästan av misstag över synthwavegenren på Youtube.
Jag hade hört några låtar av The Protomen några år tidigare på en online-serie som heter Video Game High School . Jag blev snabbt ett fan av dem, men insåg aldrig att de ingick i mycket större scen.
KM: Vem är de stora konstnärerna som har påverkat ditt arbete och varför påverkade de dig?
AM: I vårt nuvarande landskap kan jag inte undvika att nämna Gunship och The Midnight . Det är retromusikens juggernauts. Deras album har gått in i den sällsynta sortens musik som vi börjar koppla ihop med minnen och känslor. Jag tror inte att någon genre eller band har haft den inverkan på mig sedan punk- och emo-bandet i början av 2000-talet. Låtar som Sunset och When You Grow Up and Your Heart Dies ger mig frossa och tar mig tillbaka till en tidsperiod som jag aldrig ens har levt igenom. Att gräva djupare, artister som Michael Oakley och Kalax som båda låter sång-synthmusikljud och verkar så lätt, har varit en enorm inspiration för mig.
Medan jag ännu inte har släppt några vokal synthspår, driver deras fantastiska musik mig mer och mer i den riktningen. De är båda bara snälla killar som är villiga att chatta med kommande artister som jag själv och ge råd och uppmuntran. Det faktum att det finns få (om några) stora egor i vår scen är verkligen något speciellt. Jag älskar också den mörkare sidan av vår (a) genre. Jag älskar konstnärer som Scandroid, Peturbator, Ray Gun Hero och Crockett som lyckas blanda några av sommarljuden med de mer grungy inslag av darksynth. De är ärligt nog några av de större påverkningarna på mitt senaste album. Den rymdstil, cyberpunk-delen av vår scen är så magisk.
KM: Berätta lite om den kreativa process (er) du går igenom när du skapar ny musik.
AM: Det är ärligt mycket eklektiskt. Det kan vara kliché, men ofta känns det som att låtarna skriver själva. Jag vaknar med en melodi i huvudet och inom en morgon kanske jag har en sångstruktur som är utformad runt den. Efter en dag eller två kan jag sedan komma tillbaka och utvärdera det igen, ta ut några av de mer mediokra delarna och fortsätta att lägga till det. De flesta låtar brukar ta sin allmänna form inom några dagar. Ibland kommer det att vara en baslinje som startar den och en låt kommer att dyka upp runt den. Ibland tappar jag anteckningar i programvaran och snubblar över något riktigt musikaliskt också. Det finns förmodligen inga två låtar som skapades på samma sätt. För att hitta det faktiska ljudet jag vill ha för varje låt, kommer jag att sätta ihop en grupp synths och patches som har en riktigt fin balans tillsammans; det fungerar bara.
Till exempel började spåret Moonlit Serenade av det nya albumet med saxofonmelodin. Jag visste genast att det behövdes en riktigt mjuk ackordprogression bakom den med någon slags varm dyna, och när slaget sparkade in ville jag ha melodin i lager med dessa stereotypiska 80-talsklockor. Ljudet jag ville ha var där i mitt huvud, det handlade bara om att sila igenom mina VST och klicka med inställningarna tills det låter rätt.
KM: Berätta mer om Starbound. Hur kom albumet till och hur närmade du dig att göra det?
AM: Starbound startade med ett spår (själva titelspåret). Jag hade just släppt mitt första album Tales From The City och jag kände lite av ett tomrum på grund av avsaknaden av att göra något kreativt. När jag studerade på universitetet hade jag hört den klassiska Robert Miles-sången Children på radion. Den här låten har en sådan sci-fi, utrymme vibe till den och transporterar dig till någonstans helt främmande. Jag ville skapa något som hade samma inverkan, och spåret Starbound började ta form samma eftermiddag. Strax efter var Polybius och The Last Flight skrivna och jag kände att en EP växte fram - ett slags konceptalbum om en dömd rymdflygning.
Allteftersom tiden gick blev temat vaguer och hade mindre inverkan på min skrivning. Spår som Moonlit Serenade och Free är mycket ljusare, mer upplyftande låtar än jag förväntade mig att albumet skulle ha. Jag tillbringade veckor på Battlestations! eftersom jag inte kunde få mixen rätt och jag hade ett komplett konstnärligt block. Jag var nära att skrota projektet helt, men tack vare fantastiska feedback från en vän och några andra artister lyckades jag övervinna de problem jag hade med ljudet från det spåret.
Musiken till albumet slutfördes i augusti i år. Jag tillbringade de närmaste månaderna på att kombinera och behärska, medan jag arbetade med min konstnär Neon Dream Designs (som också gjorde det fantastiska konstverket för mitt första album) på konceptet för det medföljande konstverket. Jag höll tillbaka frisläppandet fram till slutet av november för att anpassa mig till en lanseringsshow som hade planerats i början av december i Melbourne.
KM: Vad är dina åsikter om tillståndet i den australiska scenen för mikrovågsugn / synthwave ?
AM: Detta är ett område som jag ska erkänna att jag är relativt utanför. Jag har tillbringat många år i den australiensiska metal- och hardcore-scenen på grund av ett band som jag var en del av, så huvuddelen av mina kontakter och musikaliska perspektiv kommer från tillståndet för den genren i vårt land. Levande och lokal musik här i allmänhet är blomstrande, med radiostationer som Triple J och The Faction som öppnar dörrar för små artister att nå en bred publik. Dessa stationer hittar och marknadsför aktivt upp- och kommande artister till en nationell scen och tillåter dessa konstnärer att få något av det erkännande och exponering som de förtjänar för deras hårda arbete.
Här finns en mikrovågsugn en mycket ny scen. Tills jag upptäckte Laser Highway (en månatlig evenemang för nattklubb / synthwave nattklubb i Melbourne som drivs av DJ Zerotonine), visste jag inte att det fanns några synth-specifika händelser alls i vårt land. Melbourne är vår musikhuvudstad och tillgodoser alla genrer, subgenrer och intressen med så många fransbilder och kulturer, och det är på denna plats som synthwave också har hittat ett hem. Jag är glada över att spela där den här månaden, och hoppas kunna träffa några fantastiska australiska synthwave-DJs för att hjälpa till att bredda mina horisonter när det gäller australisk retromusik.
KM: Var vill du ta Water & Bridges i framtiden som ett projekt?
AM: Det här är någonting som jag funderar över. En del av mig förväntar mig att jag kommer att känna samma konstnärliga tomrum de närmaste månaderna, och utan tvekan kommer jag att börja arbeta med ny musik, men en del av mig vill också ta en paus och återvända till att vara konsument ett tag . Jag har varit i samtal med ett par sångare, varav en är en relativt högprofil hiphopkonstnär, om att göra några samarbeten. Om dessa projekt samlas kan jag ha material att producera min första vokalsyntesamling någon gång under 2019 men tiden kommer att visa sig. Idén att fusionera hiphop / rap och synthwave är något som känns friskt och har redan gett mig lite kreativ energi som jag inte har känt på ett tag. Det kan vara den här vägen som kallar mig mest väg mot 2019.
KM: Hur förnyar du dig själv kreativt?
AM: Lyssnar på ny musik och genrer som jag generellt sett inte tänker på. På senare tid har jag lyssnat på enorma mängder hip-hop och 'emo rap'. Många av dessa artister har fantastiska lo-fi-slag bakom deras sång, och det är dessa beats och några av synth-ljuden som de använder som verkligen har tagit min uppmärksamhet. Användningen av rena gitarrer i några av dessa spår har verkligen intresserat mig för att prova något nytt. Konstnärer gillar ingenting, ingenstans och RILEY använder saxofon, gitarr och synth till fantastisk effekt.
Att köpa och ställa in nya ljud är också ett bra sätt att fräscha upp saker igen. Jag har varit på en shoppingtur sedan Black Friday försäljningen för att skaffa massor av nya VST, liksom ett gäng nya förinställda paket för mina favoritsynter. Min ljudpalett för Tales From The City och Starbound var relativt lika, så det kommer att vara ett bra steg framåt nu att flytta in i några nya ljud, stilar och instrument för att köpa ut något som är både vatten och broar och nytt.
