Matt Baum beskriver sin musik som chipwave och säger att han skapar "mörkt energiska spår som hyllar gamla videospel och 80-talsfilmer." På sitt senaste album ärr han använder, "kroppsskräck och intergalaktisk krigshistoria som bakgrund för att utforska teman kring livets övergångar."
Jag pratade med honom om idéerna bakom albumet, hur han gick till att producera det och hur han skapar sitt distinkta chipwave-ljud.
Karl Magi: Prata om hur du blev inspirerad att skriva det här albumet och hur du gick med att producera det?
Matt Baum: När jag skriver skriver jag i allmänhet bara låt efter låt och hittar inspiration i saker som händer runt mig för vilken låt jag just nu arbetar med. För det mesta, eftersom jag skriver låtar till ett album som är ganska nära varandra i tiden, brukar det finnas en oavsiktlig känslomässig båge över dem, men den bågen blir inte vanligtvis uppenbar förrän jag faktiskt har alla låtarna färdig och läggs framför mig. Det mesta av detta album skrev jag när jag förhandlade om uppdelningen av en tioårig relation så att många av låtarna på detta album fokuserar på teman konflikt, övergång och nostalgi. Jag använde definitivt musik som en form av terapeutisk frisättning för allt jag gick igenom i mitt personliga liv då.
KM: Vilka är de musikaliska idéerna du arbetade med på ärr och vad var din övergripande strategi för att skapa melodierna själva?
MB: Kommer jag från UPGRADE, jag ville experimentera med att gå lite "spacier", lägga till tyngre reverb och förseningar och ett mer nuvarande chip-basljud för att ge saker en mer förmodande känsla. Idén startade när jag skrev Stranded for Chiptunes = WIN-samlingsalbum "Spacetunes = WIN." Jag gillade att producera i den stilen så mycket att jag bestämde mig för att hålla det igång för alla spår som följde, att föreställa varje spår som ett annat sätt att uppleva rymden ... hotande, ensamt, men också konstigt vacker.
KM: Hur påverkade begränsningarna i att ha ett 3-rösts 8-bitars chip hur du skrev låtarna på albumet?
MB: Andra artister kan komma att undvika detta tillvägagångssätt, men jag sätter egentligen bara begränsningar för chip när det gäller ljuddesignen för enskilda patchar, inte lager och arrangera spåret som helhet. Som ett resultat, trots att huvuddelen av mitt ljud är skapat från 2A03 Nintendo-chipet, begränsar jag mig inte till standardkonstruktionen med fyra kanaler + DPCM. Det gör att jag kan lägga chipljud på olika sätt och skapa mer fullständiga ljudarrangemang än vad som faktiskt hade varit möjligt på NES.
Att hålla mig till den ena chipseten och utmana mig själv att hålla mig inom gränserna när jag gör själva ljudsyntesen hjälper mig att behålla ett signaturljud samtidigt som jag ger tillräckligt med frihet inom den ramen för att göra några roliga saker. Jag experimenterade lite mer den här gången med mina mixer, och använde mer förnyelser av reverb och stereo för att ge extra djup och bredd till spåren på ärr.
KM: Var ligger balansen mellan catharsis och att skapa låtar som skulle locka lyssnare för er på ärr?
MB: Jag skriver först och främst för mig själv och fokuserar på att skapa musik som jag vill höra. Om andra människor också gillar det, desto bättre, men jag går inte ur mitt sätt att skriva med en specifik publik i åtanke. Jag tror att det bara händer att det mesta av det som alltid har påverkat mig - videospel, film och ljudspår från 80- och början av 90-talet - är ganska grundläggande upplevelser för många människor som växte upp under samma tidsperiod, så det finns en naturlig koppling mellan musiken jag skriver och vad folk tycker om att lyssna på. Många av de teman jag behandlar på terapeutisk nivå när låtskrivning också är ganska universell.
KM: Prata om de människor du samarbetade med och vad de tog med sig till projektet?
MB: När jag skrev spåret ärr, kände den känslomässiga vikten av sången och den berättande strukturen för arrangemanget som det behövde sång för mig och jag letade efter en möjlighet att samarbeta med en sångare i scenen. När jag retade möjligheten på sociala medier och frågade människor för idéer om vem de skulle vilja höra sjunga på en Watch Out For Snakes-spår, framförde flera personer Megan och hon svarade till och med för att uttrycka intresse. Jag skickade en grov mix av instrumentalen till henne och hon svarade med en fantastisk vokalrad som sålde mig omedelbart. Därifrån delade jag något av det jag hade känt när jag skrev instrumentalen, hon skapade texter baserade på det och skickade sedan de färdiga sången över till slutmixen. Hon var fantastisk att arbeta med och jag älskar hur det färdiga spåret kom ut.
Med Rip 'Em Up!, Jag ska erkänna att jag satt lite fast. Jag kände att jag hade en bra start på en låt, men hade ingen idé om hur man slutför den. Gregorio är en annan Atlanta-artist som jag har samarbetat med i massor av shower och vars låtskrivning och blandningar jag alltid har respekterat, så när jag träffade den väggen räckte jag fram till honom för att se vad han tyckte om det pågående spåret . Han grävde den och svarade inom 24 timmar med en fantastisk finish på låten. Det är galen hur snabbt han kunde komma på något så dåligt. Därifrån var det bara en fråga om att lägga till en egen chipsolon som komplement till Gregs del och få mixen mellan våra delar rätt. Jag är stolt över slutresultatet eftersom det är ett så perfekt äktenskap med våra stilar och en fantastisk representation av Atlantas synthscen.
KM: Vad hoppas du att lyssnare får från detta album?
MB: Ganska enkelt egentligen - jag hoppas bara att folk tycker om att lyssna på albumet lika mycket som jag tyckte om att göra det! Allas livserfarenhet är annorlunda så förhoppningsvis tolkar alla spåren på albumet på ett sätt som är meningsfullt för dem.
